sábado, 18 de mayo de 2019

Bailar la sangre, una adaptación de Bodas de sangre de Federico García Lorca


(Buenos Aires)

Una adaptación libre de Bodas de sangre de Federico García Lorca transcurre entre un estudio de baile flamenco y una fábrica recuperada, IMPA. La idea de los directores Eloísa Tarruela y Gato Martínez Cantó, admiradores del poeta Federico García Lorca, fue adaptar el drama y hacer que Bodas de sangre tenga como escena esos dos lugares pero también la ciudad de Buenos Aires. Así, Brenda Bianchimano, la novia,
indaga en algunos lugares porteños donde vivió el poeta, como el hotel Castelar, de la Avenida de Mayo. También estudia la obra lorquiana en el Café Tortoni, toma apuntes.
Y entrevista a la actriz y directora Cristina Banegas y al crítico Jorge Dubatti.
La relación de Federico García Lorca con la ciudad de Buenos Aires es una relación entrañable, porque la colectividad española lo recibió muy bien, lo siguió y todavía conserva su vigencia.
Además, como dice Jorge Dubatti en la entrevista, hay una relación que además de poética tiene que ver con el final físico de Lorca, fusilado y cuyo cuerpo todavía no fue encontrado  y los desaparecidos de la última dictadura cívico militar argentina.
Con reminiscencias del film de Carlos Saura, Bodas de sangre, donde actúa Antonio Gades, filmada en un estudio, Bailar la sangre es una recreación de la obra del poeta, un documental que registra el proceso de la película. Lorca está vigente, dicen los entrevistados y también los protagonistas del film. También se rescata la preocupación social del poeta.
El baile flamenco que aparece es un flamenco que conserva su raíz pero también tiene una identidad propia, porteña, del sur.
Bailar la sangre es una obra de gran sensibilidad, por el dominio del flamenco de los artistas, Brenda Bianchimano, Jonathan Acosta y Gastón Stazzone que presenta algunas metáforas del proceso de filmación,  como el embarazo de la coreógrafa que aparece con su voluminosa panza, Eva Iglesias, y después, cuando la filmación está terminada, con su hija que ya camina.
Hay que destacar también el personaje de la madre del novio, interpretada por Mimí Ardú.
Bailar la sangre es un encuentro con la poesía de Lorca, misterio indescifrable, como el misterio del nacimiento del hombre. “Solo el misterio nos hace vivir” había escrito el poeta.*
El 30 de mayo se estrenará en el cine Gaumont.

*Allen Josephs, The University of West Florida


Palabras de lxs directorxs
Bodas de sangre es un texto que nos interpela acerca de la traición, del amor, de la sangre. La carga dramática, una pesada atmósfera y un desenlace irrevocable hacen de la obra un clásico universal que transciende tiempos y territorios. Hay algo del ámbito de las pasiones que se filtra en cada pliegue de la trama y se convierte en sanguíneo”, sostienen los directores y guionistas Gato Martínez Cantó y Eloísa Tarruella.

Sinopsis
Una compañía de artistas “ocupa” una fabrica recuperada por sus trabajadores. El objetivo es montar "Bodas de Sangre", de Federico García Lorca, en cuatro cuadros teatrales/musicales.
¿Existe una identidad para un flamenco del sur, portuario, urbano y postindustrial?
Este documental “de creación”, fusión de textos, se anima a dar otro paso de exploración lorquiana: un paso de baile.

Ficha técnica
Título: Bailar la sangre
Género: Documental de creación / Danza flamenco
Idioma: Castellano
Argentina – 2019
Formato: DCP Color

Guión y Dirección
Gato Martínez Cantó
Eloísa Tarruella

Elenco (por orden alfabético)
Jonathan Acosta (novio)
Brenda Bianchimano (novia)
Gastón Stazzone (Leonardo)
Con la participación especial de Mimí Ardú (madre)

Producción ejecutiva: Gato Martínez Cantó
Dirección de fotografía: Patricia Batlle
Coreografía: Eva Iglesias
Montaje: Omar Neri
Música original: Flor Albarracín y Juan Matías Tarruella
Asistencia de dirección: Florencia Orce
Vestuario: Soledad Gaspari
Dirección de sonido: Lucho Corti
Ingeniero de sonido: Leonardo Ferraro
Diseño gráfico: Juan Reato
Foto fija: Trigo – Gerardi

Contacto de prensa
Ana Quiroga

Trailer:
fb
Bodas de sangre
argumento
El novio ha elegido una mujer con quien casarse y se la presenta a la madre quien
bendice la unión. La madre, en principio, no quiere ir con ellos ya que no quiere
dejar a sus muertos, el marido y el otro hijo. Ya se han producido hechos de sangre
en el lugar, donde se vengan las ofensas con las armas.
Recién casada, la novia escapa  con un amante, Leonardo, quien a su vez ha dejado a la mujer y al hijo.  El desenlace producirá nuevos hechos de sangre, en un lugar que parece estar
predestinado para eso.  El ambiente es un pueblo en una zona rural con rígidas costumbres.

bibliografía:
Federico García Lorca, Antología poética, Círculo de lectores, S.A., Barcelona, 1982


martes, 9 de abril de 2019

Se estrena Acá y acullá, un documental que aborda el tema del genocidio armenio






 (Buenos Aires) El 25 de abril se estrenará en la Sala  Gaumont el documental Acá y acullá dirigido por Hernán Khourian. El documental es el resultado de un taller de cine que el director dictó en un colegio armenio en 2015, al conmemorarse los 100 años del genocidio armenio. Acá y acullá se va construyendo con testimonios de alumnos del colegio Jrimian y también de sus familiares de origen armenio, algunos y de otras genealogías otros, que interrogados sobre el tema, van recordando o contando lo que saben  de las historias de los sobrevivientes.
Así van surgiendo recuerdos y quedan los relatos, a partir del diálogo entre Khourian y la escritora Ana Arzoumanian, exalumna de ese colegio.
“…El día 24 de abril ha sido declarado Día de acción por la tolerancia y el respeto entre los pueblos. Se eligió ese día en memoria del genocidio perpetrado por los Jóvenes Turcos contra el pueblo armenio. Fue el primer genocidio del llamado “siglo de los genocidios”, el veinte. Pero el genocidio armenio expresa una doble masacre: una en realidad, otra en la memoria. Ha sido el genocidio olvidado. El genocidio que a nadie – salvo a ellos, que lo padecieron- le importa reivindicar, recordar. Fue tapado por el Holocausto, por la Shoah, algo que encierra una paradoja triste. El genocidio armenio sirvió a Hitler para convencer a sus subalternos de la necesariedad de la “solución final” y de la ausencia de costos morales o políticos que tendría. Sólo les preguntó: “¿Acaso alguien recuerda hoy el genocidio armenio?”. Esta ausencia de memoria disparó la realización de la masacre de los judíos, de los gitanos y de cualquier disidente político en los lager del Reich. Luego el Holocausto cubrió – al concentrar en sí todo el horror – a ese viejo genocidio de sombras, fue aprovechado para hundirlo en el olvido por quienes saben que el olvido es la posibilidad de todo genocidio…” (1).
Los sobrevivientes del genocidio emigraron a diversos países conformando una gran diáspora, en Argentina se calculan que hay 135.000 descendientes.






Nota adicional del director

Acá y acullá es un documental sobre el genocidio armenio y la diáspora en Argentina. Surge de una necesidad personal: develar el silencio familiar alrededor del genocidio vivido por mis abuelos.

¿En dónde se encuentran las imágenes de una posible memoria sobre el genocidio? ¿Cómo se relatan – y siguen relatando – esas imágenes - recuerdos? Esta pieza es un rompecabezas, una amalgama entre el pasado y el presente. ¿Se puede reconstruir una memoria desde las ruinas, trazos y escombros? ¿Cómo trabajar lo colectivo en este acá y acullá?

Este trabajo puede salvaguardar el patrimonio, los lugares de memoria, un ejercicio que hace posible la rememoración y la vigilancia misma de la memoria. Y eso se pretende construir no solo a partir de los datos históricos sino también del movimiento que los recuerda y los construye en el presente. Así se adopta una escucha atenta a los detalles, a sus redes, a las tramas sensibles formadas por las relaciones entre las cosas.

La memoria está en los vestigios, aparece en los momentos de toma de conciencia y el arte, como lugar mismo de anunciación. Tal es el poder de la construcción de la memoria a través de relatos y situaciones, el poder de la imagen donde las cosas, los tiempos, las vidas, son puestos en contacto, esperan su aparición.

Bastará insistir para ver y encontrar el vacío del olvido, una cierta ausencia perturbadora. ¿Cómo se puede narrar lo que se olvidó? ¿Qué es esta pertenencia por la que, si yo hubiera vivido cien años antes, habría sido exterminado?

En el camino surgirán muchas preguntas sobre las marcas de este enterramiento y una proximidad paradojal con aquello de lo que nosotros podríamos ser herederos. Pero. ¿cómo mostrar lo que se entierra? El documental abre su espacio para darle lugar como superficie de inscripción, como acontecimiento.

La palabra y el discurso in situ nos permitieron la resurrección de los recuerdos, liberando el juego de la reflexión. Algunos dijeron lo que recuerdan, lo que les contaron, lo que imaginan, y otros al hablar, descubrieron que dicen más de lo que querían o creían ser capaces de decir.

Biofilmografía de Hernán Khourian



Nació en La Plata en 1972. Es Licenciado en Comunicación Audiovisual en la Facultad de Bellas Artes (UNLP). Completa su formación con el Master en Documental de Creación en la Universidad Pompeu Fabra, Barcelona. Ha obtenido diversos premios y becas a nivel nacional e internacional. Constan entre sus obras que ha exhibido tanto en el país como en el exterior: “Ojos” (1995), “Áreas” (2000), “Las sábanas de Norberto” (2003), ”Puna” (2006), “Esplín o errar o sin embargo” (2007), “Memoria” (2010), “Los silencios y las manos” (2014), “Acá y acullá” (2018).
A su vez se desempeña como docente en la Maestría de Cine Documental de la Universidad del Cine (FUC) y en la Facultad de Bellas artes, Universidad Nacional de La Plata (UNLP).

Ficha técnica
Dirección, guión, edición: Hernán Khourian
Formato Original: HD 16:9 (Color and B/W, sound stereo)
Duración: 65’30”
Formato: DCP and Apple Pro Res
Producción: Paula Zyngierman, Hernán Khourian
Productora: Maravillacine
Imagen: German Monti, Hernán Khourian
Sonido directo: Guido Ronconi
Diseño sonoro: Guido Ronconi, Hernán Khourian
Postproducción de sonido: Guido Deniro, Guido Ronconi
Coordinación de producción: María Canale, Aylee Ibañez (LAIE) UNTREF
Sincronización material: Carolina Cappa
Diseño gráfico: Andrés Mendilaharzu

Calificación: ATP
Distribuidora: Maravillacine

Con el apoyo del INCAA (Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales), UNTREF MEDIA y el Laboratorio Audiovisual de Investigación y Experimentación (LAIE) - Maestría en Periodismo Documental- UNTREF.





Contactos
Denise Salvador
prensa & acciones para la cultura

dsprensa@gmail.com

Director
wasiberran@gmail.com

Productora y Distribuidora
Maravillacine

bibliografía:

(1) José Pablo Feinmann, La condición argentina, Editorial Planeta


domingo, 17 de marzo de 2019

Se estrena Chaco de Daniele Incalcaterra y Fausta Quattrini


Daniele Incalcaterra
Daniele Incalcaterra


Fausta Quattrini 

(Buenos Aires) 

La película CHACO, dirigida por Daniele Incalcaterra y Fausta Quattrini, se estrenará el 4 de abril en Malba Cine y Sala Gaumont.
El documental obtuvo el premio GREENPEACE en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata 2017, y asimismo obtuvo galardones en festivales europeos.
Daniele Incalcaterra protagoniza el film donde además es director. Filmada en el Chaco paraguayo y en Asunción, Chaco es la historia del propio Incalcaterra con una reserva natural que denomina Arcadia y que intenta establecer en las 5.000 hectáreas de bosque virgen heredadas de su padre, un diplomático italiano. 
El padre de Incalcaterra compró esas tierras en épocas del dictador Alfredo Stroessner, pero nunca las conoció. Al morir, los dos hijos las recibieron como herencia y Daniele Incalcaterra se propuso convertirlas en una reserva natural donde las tierras no fueran utilizadas ni para la agricultura ni para la ganadería e incluso pensó en entregárselas a los indios guaraníes Ñandevas, el pueblo originario de esa región. 
Con escenas filmadas desde una torre de Asunción, el teatro operativo está  en el último piso de un edificio construido en la década de los ‘70, un  amplio salón con fachadas de vidrio, con una vista de 360°, que va desde las torres comerciales del centro hasta el Palacio Presidencial, para abrirse a la inmensidad del Chaco que se extiende más allá del río Paraguay.
Enclavado en lo alto de su torre, Incalcaterra teje estrategias, encuentra algunos de los aliados y defensores de Arcadia, mientras otros actúan a través de Skype.
A través de trámites burocráticos, denuncias, litigios con otro dueño de las tierras que aparece posteriormente y que las compró en forma legal, entrevistas a un  empresario que cultiva soja en grandes extensiones de tierra que rodean a Arcadia, Incalcaterra llega a entrevistarse con el presidente Fernando Lugo, y consigue que firme un decreto para convertir las tierras en Arcadia y establecer un observatorio científico para estudiar los efectos de la deforestación. Pero cuando Lugo es destituido todo parece volver a empezar en un ciclo de vueltas interminable.
La idea de restituir como reserva las tierras a los guaraníes Ñandevas no está del todo aceptada por la comunidad porque para establecerse ahí ellos quieren hacerlo en forma legítima y resguardarse legalmente, es decir con el título de las tierras donadas por Incalcaterra, ya que al hacerlo estaría en juego la vida de los mismos Ñandevas. Además la comunidad de este pueblo originario tiene sus propias reglas de convivencia y consenso distintas. 
Hay muchas escenas reiterativas, los viajes de Incalcaterra al Chaco, en 4x4, se repiten como también los encuentros con los distintos protagonistas del drama, y dan la idea de un problema que al final de la película no llega a resolverse.
El film también refleja la mirada sobre la naturaleza exhuberante que habita en esas regiones cada vez más cercadas por el desmonte, la deforestación y la  utilización de las tierras para el cultivo de soja y las ganancias rápidas. 
Se incluyen en la película escenas del viaje del Papa Francisco al Paraguay y las palabras que pronunció a favor de las poblaciones más desfavorecidas, en este caso la de los pueblos originarios. 
Chaco tiene como antecedente otra película de los mismos directores, El impenetrable donde personifica al extranjero en busca de su tierra prometida para devolverla a su pueblo originario, los Guaraníes Ñandevas. 
Chaco, en definitiva es una película que logra un efecto de toma de conciencia con una realidad sudamericana y también muestra como un personaje, en este caso el protagonista, puede ser considerado por algunos un benefactor  y al mismo tiempo, por otros,  un enemigo público. 

tráiler: https://www.youtube.com/watch?v=5ro1glf7dRs

Daniele Incalcaterra

Nació en Roma en 1954, creció entre Moscú y Buenos Aires siguiendo a su padre diplomático. Se formó como documentalista en París, en el Atelier Varan fundado por Jean Rouch, donde más tarde se convirtió en uno de los directores. Filmó películas en Francia, Rusia, Italia, Bolivia, Argentina y Paraguay.
En 2015, el Festival de Cine de Milán le dedicó una retrospectiva completa, que lo identifica como "el director que reveló el lado oscuro del continente latinoamericano".
Su trabajo es una continua evolución de la idea del cine directo, donde la observación específica de los hechos se convierte en una narración fuerte con intensos personajes.
En 1990 en Bolivia dirigió Chapare, un documental sobre los cocaleros (cultivadores de hoja de coca) y el líder del sindicato de los trabajadores rurales Evo Morales, quien luego se convirtió en presidente de Bolivia. En 1993 dirigió Tierra de Avellaneda, seleccionada en el Festival de Venecia 1993. Repubblica Nostra (1995) rodada en Italia durante el ascenso de Silvio Berlusconi al poder, mientras FaSinPat - Fabrica Sin Patron (Primer premio Filmmaker 2005, BAFICI 04, Toulouse 2004), cuenta la historia de la autogestión obrera de una fábrica durante la gran crisis económica en Argentina. En El Impenetrable (2012), codirigido con Fausta Quattrini y distribuido en Francia, Argentina e Italia, manifiesta con gran honestidad las contradicciones de un europeo que enfrenta la destrucción de los bosques vírgenes y los pueblos indígenas.
Entre sus producciones cabe mencionar La Nación Mapuce dirigida por Fausta Quattrini (2007);  El desierto negro de Gaspar Scheuer (2007) Premio Mejor Fotografía, 9º BAFICI; Mandala 999 de Fausta Quattrini y Souvien - toi de moi de Zaida Gorab (1993 – Selección Cannes 1994). 


Fausta Quattrini


Directora suiza, nació en Locarno en 1964. Estudió danza contemporánea y en 1991 se licenció en arquitectura en la ETH de Zúrich. Trabajó con varias compañías de danza de teatro en Francia y Suiza. Desde 1997 realiza documentales. Sus trabajos principales incluyen: El Impenetrable (2012), codirigido con Daniele Incalcaterra, La Nación Mapuce (2007) Mejor Documental Italiano, Festival de Cine de Turín 2007, Mejor Documental, Festival de Cine de los Pueblos del Sur de Venezuela 2008, Mejor Documental, Festival de cine Latinoamericano de Buenos Aires 2008, Epicentro Vallegrande (2005), Contra-site (2003) codirigido con Daniele Incalcaterra, 60 ° Muestra de Cine de Venecia, sección Nuovi Territori, Organizaciones Horizontales (2003), selección BAFICI Buenos Aires, Locarno sesiones (2002).


FICHA TECNICA

DIRECCIÓN: DANIELE INCALCATERRA y FAUSTA QUATTRINI
Música original: LUCIANO ZAMPAR
Imagen: COBI MIGLIORA
Sonido: LUCAS LARRIERA
Edición: MARZIA METE y FAUSTA QUATTRINI
Edición Sonido: EDOARDO MARTIN
Mezcla: GIORGIO VITA LEVI
Producción Ejecutiva Argentina: PAULA ZYNGIERMAN 
Coproductor Italia: RICCARDO ANNONI
Coproductor Suiza: ALEXANDRE IORDACHESCU
Producción: DANIELE INCALCATERRA, START y ELEFANT FILMS

DATOS TECNICOS:
2017 
Coproducción internacional Argentina – Italia- Suiza  
Formato: HD  
Duración: 106 minutos
Formato de distribución cinematográfica: DCP Color
Sonido: 5.1
Versión Original: italiano, español y guaraní. 
Subtitulados: Español, Francés, Inglés, Italiano
Calificación: ATP
Distribuidor: CINETREN

Con la participación de:
INCAA - INSTITUTO NACIONAL DE CINE Y ARTES AUDIOVISUALES (Argentina)
MIBACT (Ministerio de la Cultura Italiano)
RAI CINEMA (Italia)
CINEFOROM (Suiza)
Con el apoyo de:
REPUBBLICA E CANTONE TICINO (Suiza)
FONDAZIONE LA FABBRICA (Suiza)

Contactos:
Denise Salvador / prensa & acciones para la cultura
Tel.: 15.5035.5922
dsprensa@gmail.com
prensa@denisesalvador.com.ar

Lucia Tebaldi / Distribución - CINETREN
lucia@cinetren.com.ar



sábado, 16 de marzo de 2019

Lanzamiento de la Programación de la Sala Leopoldo Lugones

(Buenos Aires)

El jueves 14 de marzo Jorge Telerman, director del Complejo Teatral Buenos Aires presentó ante la prensa la programación de la temporada 2019 de la Sala Leopoldo Lugones.
Al anunciar la programación, Telerman se refirió entre otros temas,  a una época donde existía la censura de los films que se exhibirían, por el Ente de  Calificación Cinematográfica. A 50 años de la
creación de ese ente ya disuelto,  la Sala  Lugones realizará un ciclo titulado: El Ente: sexo
prohibido entre varios ciclos y proyección de estrenos argentinos e internacionales.

La programación anunciada es la siguiente:

El Ente: sexo prohibido, donde se incluye
una revisión de algunos de los films - de Federico Fellini a Stanley Kubrick
pasando por Ingmar Bergman y Pier Paolo Pasolini - censurados en Argentina
durante las dictaduras cívico- miitares, esencialmente por su contenido sexual,
en tanto lo sexual para el Ente no dejaba de ser político. Se verán tanto películas
prohibidas en su totalidad como aquellas que, en su momento se exhibieron mutiladas,
ahora en sus versiones completas. El ciclo incluye films ineditos hasta ahora en la
Argentina de Russ Meyer, Vilgot Sjöman y Dusan Makavejev, entre otros.
Además se verán algunos fragmentos originales en 35 mm correspondientes a los
cortes practicados por la censura de la época. Con la colaboración de Fundación Gotika,
la Embajada de Suecia, el Instituto Sueco del Cine y la distribuidora local Mirada.
Del 14 de marzo al 1° de julio, en distintos horarios.

Foto Estudio Lusita:
Documental argentino de Sol Miraglia y Hugo Manso, ganador del Premio del público
ene l último Bafici en coincidencia con una muestra en la Fotogalería del Teatro San
Martín, ver comentario:https://revistaarchivosdelsur-medios.blogspot.com/2019/03/foto-estudio-luisita-de-sol-miraglia-y.html

Encuentro con Stéphane Brizé
Se realizará una charla magistral de uno de los más destacados cineastas franceses de
la actualidad, previa a la proyección de su películo El precio de un hombre, premiada
en el Festival de Cannes. Con el auspicio de la Embajada de Frnacia, el miércoles
27 de marzo a las 21.

Bafici

Entre el 3 y el 14 de abril, el festival organizado por el Ministerio de Cultura de la ciudad
vuelve con focos y retrospectivas. Por un acuerdo entre el festival y el CTBA las películas
ganadoras de las competencias internacional y Argentina tendrán en el transcurso del año
su estreno en la sala Lugones.

Grandes clásicos del cine francés en fílmico

Un ciclo con joyas de Jean Renoir hasta Maurice Pialat, pasando por Marcel Carné, Francois
Truffaut y Alain Resnais, entre otros. Copias en 16 y 35 mm aprovechando que la Lugones es
una de las pocas salas en la Argentina que cuenta con proyección profesional en fílmico y el
valioso catálogo de la Embajada de Francia. Entre el 15 y el 25 de abril.

Santiago Loza: Empiecen sin mí

Se presentará el libro de Editorial Libretto y proyección especial del film El asombro (2014),
co-dirigido por Santiago Lozza, Iván Fund y Lorena Moriconi, inédito en Buenos Aires.
Empiecen sin mi (y otras piezas sobrantes) contiene textos de Lozza escritos especialmente
para películas y perfomances. El lunes 22 de abril a las 21.

Retrospectiva de Vittorio de Sica
Se proyectarán siete films en versiones restauradas de uno de los grandes creadores del
neorrealismo, en el marco de las actividades de Italia in Scena, del Instituto Italiano de
Cultura.

Festival de cine rumano

Selección de lo mejor del cine rumano actual, con films de Radu Jude, Corneliu Porumboiu
y Radu Muntean, entre otros, en colaboración con la Embajada de Rumania y el Instituto
Cultural Rumano.

Christoph Schlingensief: transgresión y política
Hasta ahora desconocido en América Latina, el autor de la controvertida Trilogía Alemana
(1989-1992), donde fusionó la estética trash con la provocación política, está considerado
un epígono radicalizado y contestario de R.W. Fassbinder, con cuya troupe de actrices y
actores hizo varios de sus films. Fallecido en 2010 a los 49 años, Schilingensief fue también
un polémico director de teatro y ópera y agitador cultural con innumerables intervenciones
urbanas. Una aproximación a su obra, con el auspicio y la colaboración del Goethe-Institut.

Reencuentro con Kenji Mizoguchi

Con el auspicio de la Embajada de Japón y The Japan Foundation se proyectarán doce films
de uno de los grandes del cine nipón junto a Ozu y Kurosawa.
Toronto New Wave
Una selección de films inéditos en la Argentina de jóvenes cineastas canadienses, en colaboración
con TIFF Cinematheque, la cinemateca del Toronto Internacional Film Festival, con el auspucio
y colaboración de la Embajada de Canadá.

Francisco Lombardi: una retrospectiva

Una muestra monográfica dedicada a uno de los cineastas más relevantes del cine peruano,
en versiones restauradas digitalmente por la Filmoteca de la Pontificia Universidad Católica
del Perú.

Gardel cada día canta mejor

Como parte de las celebraciones del 70 aniversario de la Fundación Cinemateca Argentina, una
cabalgata de sus films más famosos restaurados digitalmente por esa Fundación.
Art of the Real
Una muestra representativa del festival de documentales organizado anualmente por el Lincoln
Center de Nueva York, con la presencia de su director de programación, Dennis Lim.

Estrenos
Habrá también estrenos argentinos e internacionales de lo mejor y más independiente de la
producción cinematográfica actual.

DocBuenos Aires
Una muestra con lo mejor del documental nacional e internacional, en la 18° edición
de este clásico del género.

Grandes clásicos del cine argentino

En versiones restauradas por la Fundación Cinemateca Argentina y laboratorios
Gotika,  se proyectarán  películas de José Agustín Ferreyra, Luis Saslavsky y Luis
Bayón Herrera entre otros.




Foto Estudio Luisita, de Sol Miraglia y Hugo Manso





(Buenos Aires)

El jueves 14 de marzo,  se estrenó en la Sala Leopoldo Lugones del Teatro San Martín
Foto Estudio Luisita, ópera prima de los directores Sol Miraglia y Hugo Manso, premiada
en la competencia Oficial Argentina del 20° BAFICI, donde resultó ganadora del
premio del público.
Las proyecciones del film se realizan en coincidencia con Luz de noche, una
muestra en la FotoGalería del Teatro San Martín dedicada a la obra del estudio
fundado por Luisa Escarria y sus hermanas, especializado en retratos de grandes
figuras del espectáculo porteño a inaugurarse el próximo 19 de marzo.
Foto Estudio Luisita es un documental que retrata a las hermanas Escarria, Luisita,
Chela y Rosita, tres colombianas que llegaron a Buenos Aires en 1958 y fueron
las responsables del estudio fotográfico que da título a la película. Las tres viven
juntas en la misma casa desde hace alrededor de cincuenta años con sus mascotas.
El padre y la madre de las hermanas Escarria eran también fotógrafos, y muerto el padre
la madre continuó haciendo fotografías y luego fueron las hijas las que siguieron con la
profesión.
El universo de estas hermanas captado por la película se centra en su vida cotidiana y en
los recuerdos que albergan de su incansable trabajo en el estudio fotográfico donde
Luisita ha sido quien tomaba las fotografías y otra de las hermanas se ocupaba del
laboratorio. Por Foto Estudio Luisita pasaron celebridades como Tita Merello, Susana
Giménez, Atahualpa Yupanqui, Amelita Vargas, Alberto Olmedo, Jorge Porcel, Nélida
Lobato, Moria Casán, Juan Carlos Altavista entre otras.
Toda una época del teatro de revistas porteño está guardada en el archivo fotográfico
de Luisita.
Los directores Sol Miraglia y Hugo Manso, se introducen en ese mundo femenino de Luisita,
Rosita y Chela, registran escenas domésticas, celebraciones de cumpleaños, gestos de
las mascotas, recuerdos de toda una época y logran rescatar para la memoria una extensa
época del teatro y el espectáculo que incluye también a diversos conjuntos musicales.
Aparecen en el film y recordando el trabajo de Luisita grandes figuras del espectáculo
como Amelita Vargas y Moria Casán.
La película se acerca con ternura y gran sensibilidad a estas protagonistas de una época
de la fotografía y del espectáculo donde no existía el photoshop ni la tecnología actual
y se lograban imágenes que hoy, al ser rescatadas constituyen un valioso patrimonio cultural.


Del jueves 14 al miércoles 27 de marzo, a las 19 horas.

Sala Leopoldo Lugones.

Sinopsis
De Tita Merello a Susana Giménez, pasando por Atahualpa Yupanqui, Amelita Vargas y
Olmedo y Porcel, las celebridades que pasaron por el estudio fotográfico de Luisita son
innumerables. Sol, una joven fotógrafa, descubre en esta Casa-Estudio más de 25.000
negativos inéditos que abren una ventana hacia un verdadero epicentro artístico de la
cultura popular argentina


Ficha técnica y artística
Argentina, 2018
72 minutos
DCP / Color / Español
Productores: Mercedes Arias y Santiago Ligier.
Dirección: Sol Miraglia y Hugo Manso.
Guionista: Hugo Manso.
Directora de fotografía: Sol Miraglia.
Montaje: Celeste Contratti.
Música: Guillermo Guareschi.
Sonido: Agustín Casola.
Animador/Composición: Mariano Santilli.
Color: Juan Martin Hzu.
Reparto: Luisa Escarria, Graciela Escarria, Rosa Escarria, Sol Miraglia, Amelita Vargas,
Moria Casán, Mimi Pons, Henry Nelson.

Palabras de los directores
Lo que más nos atrae como documentalistas es lo que está oculto, lo que ha quedado en el
olvido, aquello que no se ve a primera vista y que espera paciente ser descubierto. Eso fue
para nosotros el tesoro que Luisita conserva en su casa.En 2009, Sol conoció a Luisita y
descubrió en su casa un archivo de más de 25.000 negativos en cajas dentro de armarios y
debajo de los muebles.Uno de los principales problemas de la fotografía y del cine en la
actualidad, es la pérdida irreversible de los archivos, y el patrimonio fotográfico de Luisa es
uno de los más valiosos que aún subsisten en el campo de la fotografía del espectáculo
argentino. Trabajando con los negativos originales nos encontramos con un cuerpo de obra
completamente diferente.Esta historia y estos archivos invaluables son parte de la memoria
de la sociedad de una época.En estos diez años de amistad con Luisita y sus hermanas
confrontamos con el rechazo de muchos hombres del mundo del arte, quienes no tardaron
en restarle valor a su obra. Pese a ello, la enorme responsabilidad de hacer conocer
historia, hizo que hoy exista esta película.

jueves, 7 de marzo de 2019

Se estrena Alicia, primer largometraje de ficción de Alejandro Rath

Martín Vega, Paloma Contreras y Alejandro Rath (de izq. a der)


















Leonor Manso, Alejandro Rath y una de las productoras (de izq. a der)




(Buenos Aires)

El 14 de marzo se estrena en cines Alicia, primer largometraje de ficción de Alejandro
Rath, director de ¿Quién mató a Mariano Ferreyra?, protagonizado por Leonor Manso
y Martín Vega que hoy se proyectó para la prensa en la Sala Mario Soffici de DAC.
La historia de Alicia es un recorrido del personaje protagónico Jotta por distintos ritos
de la política y de algunas religiones haciendo pie en el cine de Nanni Moretti, ante el dolor
que atraviesa por la enfermedad terminal de su madre. El personaje es un agnóstico y proviene
de una familia con ideas de izquierda, y busca consuelo al mismo tiempo que se interroga e
interroga a distintos representantes de  las religiones para los difíciles momentos que vive.
Por momentos Jotta se enoja por la  enfermedad que está terminando con la vida de su madre
y esto lo incita a seguir buscando respuestas que no encuentra en la ciencia.  Es una  búsqueda
personal del personaje ya que la madre, interpretada por Leonor Manso está resignada ante la
enfermedad y su próxima muerte.
Las escenas fueron filmadas en exteriores, en manifestaciones políticas, Peregrinación a
al Santuario Nuestra Señora de Luján, la iglesia evangélica del Pastor Giménez quien hizo
su debut cinematográfico en este film, en un  cementerio judío y uno católico, en un hospital
de la Provincia de Buenos Aires y también en interiores.
La película aborda el tema de la enfermedad y la muerte, el tratamiento de los enfermos
terminales, la soledad que aqueja a los familiares cuando deben encarar esta situación y
hacerse cargo, además de la búsqueda de una trascendencia y una respuesta que no termina
con la muerte de la madre del personaje.
Según lo manifestado por Alejandro Rath en una conferencia de prensa posterior a la
proyección de la película, para enfocar el tema de la búsqueda del protagonista a través
de los ritos de diferentes religiones, trató de depojarse de sus prejucios.
Si bien Jotta piensa y manifiesta el dolor por la muerte de su madre permanentemente
a través de toda la película, Rath comentó que es una línea argumental que se eligió
para filmar la historia, ya que los recuerdos de la madre podrían haber sido además
los de la  infancia del protagonista, línea que en su momento fue descartada por diversos
motivos, entre ellos presupuestarios.
Alicia es una película que aborda un tema difícil como es la enfermedad y la muerte
de la madre y donde no hay una respuesta única e igual para todo el mundo sino
que cada ser humano la vive según sus creencias, según su ética y según la relación
que tenga o haya tenido con ese vínculo tan importante y peculiar.
El trabajo de los actores es muy bueno y se destaca la actuación de Leonor Manso
y Martín Vega como también la dirección de Alejandro Rath. También son muy destacables
las actuaciones de Patricio Contreras, Paloma Contreras y en una breve aparición el artista plástico
Pedro Roth.



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Alicia
De Alejandro Rath
Estreno: 14 de marzo de 2019
2018 / Argentina / 72 minutos / Ficción / DCP Color / 2K / SAM16

trailer:
https://www.youtube.com/watch?v=wIY5zDV__00&feature=youtu.be
Sinopsis

Jotta está desarmando la casa de Alicia, su madre. Recuerda la lucha que dieron para que ella pudiera morir en su cama y no en un hospital. También su infructuoso paso por varias religiones y las diversas crisis con sus ideas durante el duelo.
Según palabras del director Alejandro Rath:
"Nací y crecí en un entorno de militancia de izquierda. Fui incorporando con “naturalidad” ideas cuya dimensión política recién fui comprendiendo a medida que maduraba. Años después, cuando mi mamá me preguntaba si yo tenía intenciones de hacer una película yo le contestaba, en medio del fervor de la rebelión de principios de siglo de nuestro país, que no, que no soy un artista, que hago cine social, que lo que busco es colectivizar una toma de conciencia. Paradójicamente, su muerte me llevó a escribir un guión en donde ella es el motor de la historia.
Un tiempo antes de su fallecimiento, mientras negaba la posibilidad de ese desenlace, comencé a pensar en la muerte, en la imposibilidad de pensar nuestra no existencia, en los recuerdos y en la trascendencia. Mis inseguridades, mis miedos y mis dudas son las del personaje de Jotta. En el tiempo que me llevó escribir él iba cambiando a medida que yo me adentraba en mi duelo, iba siguiendo mis pasos. Todo ese proceso está expresado en la película.
Además de ese interés inicial, que puede sonar triste y egoísta, fue surgiendo en el proceso la necesidad de jugar con estas contradicciones y reírse de ellas en el camino de restarle solemnidad a la historia. Esa búsqueda y cierta fascinación por la religión, no en términos ideológicos pero sí en cuanto a lo estético de sus imágenes y relatos, fueron metiendo en la película esos recorridos del personaje por lo sacro en la búsqueda de respuestas a su dolor.
La incorporación de lo popular de los cultos, de cierto humor, de lo onírico encontró su apoyo en una fuerte referencia en el cine italiano. Hay una cita específica en la película que hace juego con un texto que fue inspirador para la escritura. Se trata del “Discurso sobre el plano secuencia o el cine como semiología de la realidad” de Pier Paolo Pasolini, donde realiza una comparación entre la vida y el cine: la muerte, en tanto última acción, es la encargada de darle sentido a nuestra vida así como el final de una película le dará un sentido al film".

Sobre Alejandro Rath: Alejandro Rath nació en 1980 en Buenos Aires. Es egresado de Diseño de Imagen y Sonido. En 2013 estrenó ¿Quién mató a Mariano Ferreyra? largometraje que dirigió junto a Julián Morcillo. La película fue nominada como mejor documental en los Premios Sur y los Premios Cóndor. Forma parte del colectivo de realizadores Puente Films. En ese marco realizó el montaje del largometraje documental Pichuco de Martín Turnes y fue asistente de dirección en Carne propia, largometraje documental de Alberto Romero. Alicia es su primer largometraje de ficción. Actualmente está filmando Manifiesto, su segundo documental.
 Sobre el elenco

El elenco de Alicia cuenta con una particularidad. Acompaña a Martín Vega, literalmente, una familia de actores. Leonor Manso y Patricio Contreras representan en la película a una pareja de separados (lo que también son en la realidad) y Paloma Contreras, hija de ambos, comparte cartel con sus padres. Completan el elenco Iván Moschner, Silvia Geijo, Sergio Villamil, Pedro Roth y, en su debut en cine, el Pastor Héctor Giménez
Ficha técnica: Dirección: Alejandro Rath Guión: Alejandro Rath, Alberto Romero Una producción de Protón Cine (Mariana Luconi), Zebra Films (Juan Martín Hsu), Puente Films (Alejandro Rath) y Mostra Cine (Valeria Bistagnino) Producción ejecutiva: Mariana Luconi, Valeria Bistagnino Fotografía y Cámara: Martin Turnes Dirección de Sonido: Lucas Ulecia Dirección de arte: Angeles García Frinchaboy Montaje: Anita Remón Elenco: Leonor Manso, Patricio Contreras, Martín Vega, Paloma Contreras, Iván Moschner, Silvia Geijo, Sergio Villamil, Pedro Roth y Héctor Giménez. Distribución: Santa Cine
Contactos: Denise Salvador - Prensa & acciones para la cultura dsprensa@gmail.com​/dsprensaespectaculos@gmail.com Lucia Tebaldi - Distribuidora Santa Cine lucia@santacine.com